La pintura figurativa de Guillermo Lorca

Por Alejandra Troncoso

 

Lo ideal es que el artista siempre pueda mostrar su voz propia

El Moco Museum Barcelona, es la próxima parada del reconocido pintor chileno, Guillermo Lorca. Una selección de pinturas estilo figurativo con técnicas inspiradas en grandes maestros, serán exhibidas en la sala principal del nuevo museo de origen holandés.

 

El también conocido como Modern Contemporary Museum Amsterdam, “es uno de los museos dedicados a exhibir arte moderno y contemporáneo, haciéndolo accesible al público y a los más jóvenes”, explica Lorca. Por eso resulta de gran importancia que en su inauguración en septiembre y durante nueve meses, sus obras se exhibirán en la sala central del museo, compartiendo espacio con artistas como Banksy y Kaws.

 

El Moco Museum Barcelona también incorporará obras de Lorca en su exposición permanente, gracias al gran trabajo de Lorca y a la gestión de su representante en Europa, el rematador de arte suizo, Simón de Pury. “Mi exposición, destaca, está compuesta por ocho obras de gran formato, una selección de cuadros recopilados que tienen una vinculación de juegos, más o menos peligrosos como símbolo del inconsciente».

 

 

Conversamos con el pintor acerca de su obra y su evolución como discípulo del pintor noruego, Odd Nerdrum, desde su taller en Chicureo.

 

A los 22 años y luego de iniciar sus estudios de arte en Chile, parte a Noruega a seguir formándose junto a uno de los grandes maestros de la pintura figurativa clásica. “Tenía ganas de estudiar, pero la carrera no me estaba aportando. No era mi lugar y entendí que buscaba hacer otro tipo de arte. Por coincidencia conocí la obra del pintor de origen sueco, Odd Nerdrum. Contacté a su galería en Nueva York, desde donde me pidieron enviar mis trabajos. Y les gustó! Me dieron su contacto y le escribí preguntándole si tenía discípulos. Pasaron como cinco meses y su respuesta fue ´fantástico tu trabajo, puedes venir en enero de 2007´. Entonces, compré ropa abrigada y me fui. Llegué a una casa en un pueblo muy chico y distante, de aprox 10 mil personas, cerca de Oslo».

 

Durante los seis fríos meses en que estuvo junto al pintor como aprendiz, asistente y su primer protegido latinoamericano, explica que “la interacción social fue muy poca. En la casa para estudiantes y los dos talleres estaban un noruego, un danés y yo, que éramos sus ayudantes. Lo mirábamos pintar y aprendíamos, como discípulos a la antigua”.

 

 

¿Cómo te marcó Odd Nerdrum?

Más que nada, como una experiencia de vida significativa. Siempre me llamó la atención la relación que tenía con su obra, casi religiosa. Descubrir que para que  la obra tuviera esa carga emocional había una entrega personal profunda. Muchos alumnos le copiaban el estilo, la temática y su técnica. Pero lo ideal es que el artista siempre pueda mostrar su voz propia. Esta convicción me hizo descubrir mis cualidades y falencias  y cómo podía lograr  mis objetivos a mi manera.  Para mi es necesario tener una meta, una razón de ser de la obra. Tiene que significar algo, simbolizar el mundo interno de la forma más cercana posible. Si no, es como que perdieras tu alma. Y en ese camino, uno tiene que adaptarse a ciertas cosas prácticas, pero no ceder a presiones que puedan desviarte de tu autenticidad.

 

Al llegar a Oslo, manejaba la parte técnica, pero su desafío era descubrir cómo podía llevarla al siguiente nivel, “descubrir lo que podía lograr como artista” explica.

 

Como pintor es metódico y ordenado, no deja nada al azar desde el origen de una idea. “Me gusta que los trabajos estén bien hechos, poner parte de mi espíritu dentro de las posibilidades y buscar la excelencia desde el punto de vista técnico. La técnica no es una camisa de fuerza, pero si ir en la búsqueda de ´la buena pintura´. Y esto  tiene muchas aristas. Una buena pintura no es necesariamente más cercana a la realidad o más detallada. La forma de simplificar, la expresividad de las pinceladas entre otras muchas variables, determinan una buena pintura.” Y ese trabajo está muy vinculado con la inspiración que busca Lorca y que él mismo señala, se logra en ciertos momentos de soledad. “Hay una necesidad de concentrarse para lograr momentos ´eureca´. La creatividad humana tiene que forzarse con  trabajo una  cierta presión, pero luego hay que darle momentos de descanso para que surjan las ideas. Un juego entre presión y relajo».

 

A su regreso a Chile, las pinturas inspiradas por niños y animales de Guillermo Lorca comenzaron a ocupar un lugar importante. Se convirtió en el artista más joven en exhibir su obra en las salas del Metro, con una serie de grandes retratos que representan a personas chilenas comunes y usuarios de metro, seis grandes obras que están en la Estación Metro Baquedano.

 

 

¿Cómo defines tu obra?, ¿qué importancia tiene la técnica en tus obras que tiene compré en un importante grado de detalle y perfección?

Muchas veces la relacionan al hiperrealismo, donde el lenguaje está íntimamente ligado a su referente fotográfico,  pero en mi caso no es así. Se podría decir que es pintura figurativa, con un tinte simbolista y surrealista. Efectivamente partes de mis cuadros pueden ser cercanos a la fotografía, pero hay en la técnica distintos niveles de expresividad, simplificación, veladuras, tipos de pinceladas, que hablan sobre la historia de la pintura y mis referentes. La técnica es la forma que tengo de expresarme. Podrían haber otras formas, pero me funciona así y eso va marcando mi mano, mi firma personal,  pinceladas con un algoritmo interno que van mutando. Creo que eso le da cuerpo y prestancia a la obra.

 

 

¿Cómo ha ido evolucionando tu obra?

Desde el punto de vista técnico, simplifico más. Con más experiencia, logras lo mismo con menos pinceladas. Vas mostrando más maestría y se nota la experiencia. Esa evolución es inevitable. Con respecto a la parte creativa me pasa que cuando aparecen las ideas muchas veces demoran en hacerse reales. Registro los momentos de inspiración, tomo nota y de ahí puede pasar un trecho largo, incluso años … Estudio la idea y busco referencias, las boceto.  Y cuando llega el momento, me pongo manos a la obra.

 

¿Qué es lo que inspira tu obra?

Tienen drama y una buena cuota de tragedia, pero también esperanza. La vida en sí misma y en nuestro inconsciente contiene esa  tragedia, todo tiene un final violento y abrupto. De alguna forma, la muerte siempre está presente, la entropía, la tendencia de las cosas de dejar estar organizadas, pero no creo que hay que mirarlo como algo malo, es parte del ciclo de la naturaleza de la cual somos parte, en la destrucción también hay belleza.

Generalmente, la obra es un lugar donde me encuentro con mi parte feliz y espiritual de la vida. Tiene elementos trágicos pero al mismo tiempo ternura y belleza, cosas valiosas que existen en la naturaleza y esa belleza es la que busco. Al mismo tiempo busco la temática que la inspiración me da a mi mundo interno y cierto tipo de emociones y un tipo de estética relacionada con autores que me gustan, de distintos períodos de la historia del arte.

 

 

¿Qué te interesa transmitir a través de tu arte, cuál es tu motivación?

Intento transmitir mi mundo interno y tratar de conectar con los demás a través de la obra. Como todo artista, quiero que esta se aprecie o al menos no quede en la indiferencia. También me interesa que mi obra se pueda relacionar con las futuras generaciones, de ahí que me interese su conservación y elija materiales de alta calidad. Es una de las razones por las que no he hecho arte urbano, ya que las obras son difíciles de conservar y están expuestas a «las reglas de la calle».

 

 

¿Qué esperas generar con tus obras?, ¿cuál es la expectativa que tienes al realizar una exposición?

Eso depende de cada espectador, pero espero que puedan encontrar un espejo simbólico de su mundo interno, idealmente que las obras los puedan remecer y reflexionar.

Intento no tener tan altas las expectativas con respecto a las exposiciones aunque a veces es difícil, me emociono mucho cada vez que tengo una. Espero que la pueda ver la mayor cantidad de gente posible y dentro de lo posible poder interactuar con la gente, saber que piensa, relacionarme con el público es algo muy satisfactorio.

 

¿Qué rol crees que tiene el arte?, ¿puede el arte ayudarnos a superar este período de crisis o plasmarlo para no olvidar una vez haya terminado?

Lo que va a ser determinante, será como se relacionará el arte en el mundo digital en el que estamos más expuestos que antes. El arte es punta de lanza de la creatividad y de la forma de expresarnos entre nosotros como sociedad a nivel simbólico. Se va a hacer inevitable.En relación a la pandemia, los artistas pueden plasmar el tema, pero tengo la sensación de que va a tender a olvidarse… Antiguamente (finales de la edad media), durante las pandemias se pintaba mucho la temática del  triunfo de la muerte, donde generalmente se ve un esqueleto que pelea una batalla que va ganando. Fueron momentos muy dificiles para nuestros antepasados, probablemente mucho más duro que para nosotros, pero tengo la esperanza de que de los momentos duros podemos dar los más grandes pasos hacia mejores realidades.

 

¿Cómo ves la tecnología y su constante evolución?, ¿puede realizar un aporte al arte o al artista mismo?

Creo que si. Puede ser un aporte en todo ámbito de cosas dependiendo el uso que le demos. En el arte las nuevas tecnologías generalmente son emocionantes y abren muchas posibilidades creativas. En lo personal me gusta  la belleza plástica de tecnologías antiguas (pintura) pero también ocupo tecnología como la pintura digital para los bocetos, me ha sido muy útil.  Va a haber (de hecho hay) distintos formatos arte que van a convivir.

Hay un tipo arte que se puede coleccionar de forma virtual, como el arte digital, videos cortos, esculturas en 3D, obras que son difíciles de mostrar en museos. Y existe otro tipo de arte, más tradicional que funciona en el mundo físico, como la pintura, escultura, etc. Es un poco lo que pasa hoy con la combinación entre  trabajo y el teletrabajo.

Para mi la interacción con el objeto no reemplazable fácilmente al igual que las relaciones sociales. La experiencia es muy distinta, la carga del material, el caminar por el museo, con el video 3D no se logra todavía. Puede ser algún día, pero cuando se reemplace la experiencia, será a todo nivel de relaciones.

 

 

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